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Aura Lunes, 26 febrero, 2007

Posted by henryo in Arte, Opinión.
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Conviene ilustrar el concepto de aura, que más arriba hemos propuesto para temas históricos, en el concepto de un aura de objetos naturales. Definiremos esta última como la manifestación irrepetible de una lejanía (por cercana que pueda estar). Descansar en un atardecer de verano y seguir con la mirada una cordillera en el horizonte o una rama que arroja su sombra sobre el que reposa, eso es aspirar el aura de esas montañas, de esa rama. De la mano de esta descripción es fácil hacer una cala en los condicionamientos sociales del actual desmoronamiento del aura. Estriba éste en dos circunstancias que a su vez dependen de la importancia creciente de las masas en la vida de hoy. A saber: acercar espacial y humanamente las cosas es una aspiración de las masas actuales tan apasionada como su tendencia a superar la singularidad de cada dato acogiendo su reproducción. Cada día cobra una vigencia más irrecusable la necesidad de adueñarse de los objetos en la más próxima de las cercanías, en la imagen, más bien en la copia, en la reproducción. Y la reproducción, tal y como la aprestan los periódicos ilustrados y los noticiarios, se distingue inequívocamente de la imagen. En ésta, la singularidad y la perduración están imbricadas una en otra de manera tan estrecha como lo están en aquélla la fugacidad y la posible repetición. Quitarle su envoltura a cada objeto, triturar su aura, es la signatura de una percepción cuyo sentido para lo igual en el mundo ha crecido tanto que incluso, por medio de la reproducción, le gana terreno a lo irrepetible. Se denota así en el ámbito plástico lo que en el ámbito de la teoría advertimos como un aumento de la importancia de la estadística. La orientación de la realidad a las masas y de éstas a la realidad es un proceso de alcance ilimitado tanto para el pensamiento como para la contemplación.

Walter Benjamin

Sobre la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica 

 

Ser revolucionario Sábado, 3 febrero, 2007

Posted by henryo in Arte, Música.
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Ser revolucionario.  Se me ha hecho revolucionario a pesar mío. Los arrebatos revolucionarios no son nunca enteramente espontáneos. Hay gentes hábiles que fabrican revoluciones premeditadas. El arte es constructivo por esencia. La revolución  implica ruptura del equilibrio. Quien dice revolución dice caos provisional. Y el arte es lo contrario del caos. La cualidad de revolucionario se atribuye generalmente a los artistas de nuestros días  con una intención laudatoria, sin duda porque vivimos en un tiempo en que la revolución goza de prestigio en medio de una sociedad anticuada. Igor Stravinsky

¿Qué buscamos en la música? Sábado, 3 febrero, 2007

Posted by henryo in Arte, Música.
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¿Qué buscamos en la música?  A la mayor parte de la gente, le gusta la música porque espera encontrar en ella alegría, dolor, tristeza, una evocación de la naturaleza, un motivo para el ensueño o el olvido de la vida prosaica. Buscan una droga. La música no valdría gran cosa si se redujera a semejante fin. Cuando las personas hayan aprendido a escuchar la música por sí misma, cuando la escuchen con otro oído, su goce será de un orden mucho más elevado y potente, que les permitirá juzgar la música desde otro plano y les revelará su valor intrínseco. Igor Stravinsky

Música y amor Miércoles, 31 enero, 2007

Posted by henryo in Arte, Música.
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Música y amor.  La generación que forma el llamado primer romanticismo alemán aparece obsesionada por la música. En contraste con la reserva de Goethe  ante la aurora de la música romántica (reserva que solo en Marienbad estuvo a punto de romperse), los poetas y escritores alemanes se lanzan a la exaltación de la música, NOVALIS, TIECK, GÖRRES… todos han dicho parecidas palabras. Los dos términos que el romanticismo tan bien conjuga  “amor” y “noche” sólo en la música parecen encontrar un vehículo apropiado de expresión. La juntura de música y de amor es fundamental para darse cuenta de esa especie de predestinación musical del romanticismo. “Que cada uno sea griego  a su manera”; para los románticos alemanes, para el “griego” Hölderlin todo esto parece vivirlo con música. “Todo es música cuando se mira con los ojos del amor” dice Federico Schlegel, y su hermano “La música es el arte del amor”. “El amor piensa con sonidos tiernos” canta Tieck. Goethe habla en Marienbad de la “doble felicidad de los sonidos y el amor”. Bettina Brentano, uno de los grandes protagonistas de este tiempo, junta las dos palabras que parecen monopolizarlo: “La música es sinónimo de la electricidad; la música es transfiguración de la naturaleza; la música es el campo eléctrico sobre el cual vive y crea el espíritu.” Goethe ha contestado románticamente a estas palabras: “La música nos da el presentimiento de un mundo más perfecto que los sonidos expresan balbuciendo. La vida es la música del alma; por el templo de la música nos acercamos a la Divinidad, y en ella encontramos la verdadera resurrección”.  Federico Sopeña El romanticismo. Historia de la música.

Ilicitud del desnudo Sábado, 27 enero, 2007

Posted by henryo in Arte.
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EL DESNUDO

Las imágenes desnudas no son per se obscenas, pues a juicio de mucha gente tales imágenes han sido pintadas sin obscenidad. Pero, por mi parte, pienso que esto sucede raras veces y en la práctica ordinariamente no ocurre, porque lo más frecuente es que el pintor de desnudos los represente con cierta inmodestia. Y tampoco es digno de mostrar su destreza, pinta y exhibe, no digo ya las ilícitas relaciones de Marte y Venus, sino los abrazos legítimos de un matrimonio en desnudo, pues no nos es permitido mostrar en público todo lo que estamos autorizados a hacer en privado.

Tratado de Pintura y Escultura (Florencia, 1652 )

PIETRO BERRETTINI DA CORTONA

Contra Miguel Ángel Sábado, 27 enero, 2007

Posted by henryo in Arte.
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Conviene recordar que las incomprendidas torres de ladrillo de Aragón se erigieron a raíz de un levantamiento de la albañilería contra la arquitectura, y el gusto de mirarlas se acrecienta –aunque, a decir verdad, tal vez a costa de hacerse algo bastardo -imaginando la rabia y el horror que le producirían al pétreo y aplastante Buonarotti.

Rafael Sánchez Ferlosio

Vendrán más años malos y nos harán más ciegos

Explicaciones del propio Lichtenstein a sus puntitos Sábado, 27 enero, 2007

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But the dots in the Nudes series have a new characteristic, creating an undulation of light and space by flowing over several objects at a time, rather than being contained within the boundaries of a single object or outline. The dots function as both a two-dimensional pattern (overlay) and as a suggestion of three-dimensional space and form. As Lichtenstein told David Sylvester in 1997: “It’s a little bit the way chiaroscuro isn’t just shadows but a way of combining the figure and the background, or whatever’s near it in a dark area… You’re not confined to the object pattern, but the subject matter excuse for this is that it’s a shadow. And that’s interesting to me.”

Lichtenstein is quoted in a newspaper article in November 1994 as having said that the nude form itself is a “good excuse to contrast undulating and volumetric form with rigid geometry.” This same contrast of undulation and rigidity can be seen in the dot patterns themselves, which cause the picture space seemingly to undulate forward and away from the picture plane, while at the same time each dot is a precise geometric circle.

One final note regarding the method used to arrive at the total number of colours in a given print: because the same ink, when printed in two runs that overlap, will produce a different colour in the overlapping areas, Tyler Graphics counts each run as a separate colour, even though only one ink was used. As the workshop’s Barbara Delano has explained: “Our general rule is to count even the same colour if it appears in another run and overlaps because it will change the resulting layer colour slightly. (In fact, the subtlety of printmaking is the buildup of colour layers.) If you look at the print, you can see the difference in the areas where the (colours) are different because of the overlapping buildup. Not only does it build up the surface of density of the colour, but it also sits differently in the fibres of the paper.” However, for entries in this catalogue, the decision was made to base the colour count on the actual number of different-coloured inks used, so that the method used to count the colours would remain consistent for all entries throughout the catalogue. This is why, in some cases, one will find discrepancies in the number of colours when comparing these entries to the workshops’ documentation.

Renacimiento/clasicismo y barroco/rococó. Definiciones asociadas. Jueves, 25 enero, 2007

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Lineal. Todas las figuras y todas las formas significativas están claramente perfiladas.

Pictórico. Las figuras no están iluminadas por igual sino fusionadas en conjunto.

Visión en superficie. Los elementos de la pintura se distribuyen en planos paralelos al plano del cuadro.

Visión en profundidad o construcción recesiva. Las figuras se sitúan en ángulo en relación al plano del cuadro y retroceden en profundidad.

Las dos definiciones anteriores se aplican tanto a elementos del cuadro como al cuadro en su conjunto.

Forma cerrada. La composición está basada en líneas verticales y horizontales que se hacen eco de la forma del marco y de su función delimitadora. La imagen puede llegar a estar totalmente autocontenida.

Forma abierta. Las diagonales de la imagen contrastan con las verticales y horizontales del marco. Las diagonales no aparecen sólo sobre la superficie, se arrastran a la lejanía. Hay sensación de espacio ilimitado fluyendo más allá de los límites de la imagen. La composición es más dinámica que estática.

Multiplicidad. Cuando hay multiplicidad, la obra está compuesta de partes, cada una con su propio color individual, cada una esculturalmente redondeada.

Unidad. Cuando hay unidad, ninguna parte tiene valor individual.

Tom Wesselmann Jueves, 25 enero, 2007

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“A medida que me dedicaba más a los desnudos, el erotismo era cada vez menos pertinente. Tenía que decidirme entre dos alternativas: pintar los desnudos reales y quizá sensuales, o pintarlos irreales. Me decidí por los reales y sensuales, lo cual me llevaba a mantenerlos a escala más o menos real. De hecho, en uno de mis primeros trabajos una mujer se tumbaba sobre una tabla y yo dibujaba el contorno; eso es lo que pintaba. Mantenerlo a escala humana lo hacía algo más sensual.” “(…) me fijé también en Matisse, pero él había hecho todas aquellas exageraciones de la figura en sus invenciones compositivas, y decidí hacerlo tan rectamente como pudiera, sin trucos. En el curso de mi proyecto de adoptar un enfoque más directo, sincero, o lo que fuera, tuve que hacer que ocurriera algo importante. No estaba muy seguro de cómo hacerlo, pero decidí crear una imaginería tan intensa como me fuera posible, probablemente a causa de mi temprana implicación con el expresionismo abstracto, con sus intensas y agresivas imágenes. El collage cumplía muy bien aquella finalidad. Podías tener un abanico de curiosas realidades y conseguir una imaginería excitante de una u otra manera. En definitiva, he intentado maximizar la intensidad de mis pinturas. Por eso es por lo que he usado luz y movimiento, televisión y radio, telas conformadas, alfombras en los suelos, mesas, iluminación eléctrica, luces fluorescentes y un pecho real.” Tom Wesselmann

No existe el arte Domingo, 21 enero, 2007

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No existe el arte; existen las obras de arte.

La obra de arte se halla en la confluencia de la más radical subjetividad y de la universalidad.

El origen de la obra de arte está en nuestra biología (sobre todo, en nuestra capacidad simbólica); sin embargo, es otra cosa distinta de nuestras capacidades biológicas.

En la obra de arte, la vida tiene sentido; fuera de ella, no.

Cada obra crea un mundo, más limitado que el que conocemos pero, a cambio, con mucho más sentido y, además, orientado, dirigido a un fin humano.

La obra de arte no puede estar meramente destinada a satisfacer unas necesidades, debe reflexionar críticamente sobre dichas necesidades y los modos de satisfacerlas.

El arte está totalmente fuera de la vida porque pretende tener una cierta autoridad moral sobre ella.